Call for Submissions: 2021 Burtynsky Grant

Burtynsky Grant-winning photobook projects (clockwise from far right) Birthe Piontek, Abendlied; The Broadbent Sisters, A Telepathic Book; Pamila Matharu, Index: Some of All Parts; Teresa Eng, China Dream; Aaron Friend Lettner, Doorways.

CONTACT is requesting submissions for the 2021 Burtynsky Grant—a $5,000 annual grant to support a Canadian artist in the creation of a photobook.

In 2016, photographer Edward Burtynsky and CONTACT established the Burtynsky Grant to foster the creation of photobooks by Canadians. The grant supports photo-based artists who are at the advanced stages of developing a cohesive, rigorous body of work presented in book form.

The CONTACT staff are working remotely and cannot accept hardcopy submissions. Please submit the following as a single PDF by a file hosting service (eg. WeTransfer or Dropbox) to photobook [arobas] scotiabankcontactphoto [point] com by September 7, 2021:

Minimum 10 spreads (two pages side-by-side, like an open book) of your book dummy that best communicate your project and vision for publication. Full book submissions are also welcome if preferred
Project statement about your photobook
Rough outline of how you would use the grant funding (ie. budget details regarding printing, distribution, design, etc)
CV and/or artist statement
Expressions of interest from publishers, if available (this is not mandatory, as you may be self-publishing)
Please note that the jury is not interested in reviewing submissions related to: street photography, travelogues or vacations, architecture, or fashion.

Email photobook [arobas] scotiabankcontactphoto [point] com with your questions.

Since its inception, The Burtynsky Grant has supported a range of exceptional photobooks by Canadian and international independent publishers – visit our website for the full list of winners and honourable mentions.

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HeART of HealthCARE Safe and Respectful Maternal and Newborn Care Gallery
Patients for Patient Safety Canada is seeking art submissions for an online exhibition honouring World Patient Safety Day, September 17, 2021, on this year’s theme of “Safe maternal and newborn care”.

On World Patient Safety Day we will launch our next virtual art exhibition, HeART of Healthcare: Safe and Respectful Maternal and Newborn Care, which will include works with themes in various media including: paintings, fibre art, poetry, stories, sculpture, dance, and music. Screen shots of the premiere virtual exhibition are included.

 

For more information and details on the submission process, please download the submission form.

Deadline: September 3, 2021 11:59pm (MST).

Please send your submissions with Heart of Healthcare Submission in the subject line to:

Tyler Sherard, Exhibition Coordinator
HeART of HealthCARE
heartofhealthcare2021 [arobas] gmail [point] com

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CALL FOR EXPRESSIONS OF INTEREST: Rhubarb Festival
Deadline date: September 10, 2021; Location: Toronto, Canada; Source: BIBT
 
Call for Expressions of Interest: Rhubarb Festival
Presented by Buddies in Bad Times Theatre
 
We are currently seeking expressions of interest for the 2022 Rhubarb Festival, Canada’s longest running festival of new and experimental performance. Like this past February’s Book as Festival, Festival as Book, Rhubarb is transforming once again for 2022. After more than a year away from the theatre, we are craving the spectacle of live performance and the possibilities of the theatrical space. Yet, instead of rushing a return to the before and the inherent failings within, we seek to activate a renewed relationship to time, collaboration, and context. As such, we’ve invited architect and installation artist, Andrea Shin Ling to create a large-scale installation for the Buddies in Bad Times Theatre Chamber space, conceived in conversation with Festival Director Clayton Lee. Participating Festival artists will create works that respond to and engage with Andrea’s prompt and installation. 
 
Read the full call here:
https://buddiesinbadtimes.com/news/the-rhubarb-festival-2022-call-for-expressions-of-interest/

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Craftivism = craft + activism
Call for Proposals

The Canadian Clay & Glass Gallery is seeking project proposals from Canadian artists on the theme of craftivism for a potential major solo or group exhibition.

We are looking for large scale projects in the craft of ceramics, glass or copper enameling that push the boundaries of contemporary craft and installation art. We want your wild ideas and collaborations. Surprise us with something powerful that will make a statement and command attention when installed in one of our Galleries. Proposals should engage with current Canadian social issues to start conversations, education, and sharing towards the greater good. These proposals will be considered for potential exhibitions in future programming seasons at the Canadian Clay & Glass Gallery (Waterloo, Ontario), with the possibility to circulate across the country.

Projects can include community involvement, workshops, or other initiatives. The resulting exhibition can extend beyond the walls of the gallery into the community, public spaces, and more. We’re looking for truly innovative approaches to contemporary exhibitions. Show us your creativity and vision for an exhibition that brings the community together both physically and visually.

As Ele Carpenter writes in Activist Tendencies in Craft: “In these practices the social, performative and critical discourse around the work is central to its production and dissemination. Here craft is not simply a luddite desire for the localized handmade, but a social process of collective empowerment, action, expression and negotiation.” (Arnolfini Journal, April 2010)

Proposals must be submitted through our online submission system. Click here to submit your proposal.

Proposals should include:

• CV or resume of creator (PDF format)
• A single PDF document including:
  1.  Proposal title
  2.  List of participants (if known)
  3.  Rationale for the project
  4.  Social issue addressed
  5.  Description of the planned artworks, processes, and installation including any unique installation requirements
  6.  Description of possible educational or public engagement activities
  7.  Materials needed
  8.  Project timeline
  9.  Draft budget items and costs (including CARFAC fees for artists – Category II Institution)
• Up to 5 supporting images (past work or concepts for the proposal)

For information call Denis at 519-746-1882 x: 231 or by email at denis [arobas] theclayandglass [point] ca

We welcome submissions that are representative of the diversity of our community and encourage proposals from artists of colour, Indigenous artists, Deaf artists, artists with disabilities, and members of the LGBTQ2S+ community. If you require accommodations or assistance with your proposal, contact Denis Longchamps.

About the Canadian Clay & Glass Gallery
The Canadian Clay & Glass Gallery celebrates contemporary ceramic and glass artists engaged in conceptual, technical or material research. Located in Waterloo, Ontario, we are a not-for-profit institution that aims to collect, exhibit, research, promote, and preserve work by Canadian artists and makers in clay, glass, and copper enameling to represent the diversity of the Canadian landscape. Our rotating exhibitions celebrate and support diverse artists from across Canada working in these mediums and present their work to the public. Through exhibitions that address current and relevant issues, and public programs that engage, educate, and inspire, we are accessible to all. An essential organization within the Canadian cultural landscape, the Canadian Clay & Glass Gallery is a site of leadership that influences craft, design, and fine art communities.

A relevant and dynamic cultural organization, the Gallery provides supportive education programs to people from across the region. Using exhibitions as a starting point, individuals develop arts vocabulary, arts appreciation and cultivate confidence in their interpretation of contemporary artworks. People who return to The Canadian Clay & Glass Gallery many times come to understand that the Gallery is a space with dynamic exhibitions, ever-changing hands-on programs and multiple opportunities for learning.

Land Acknowledgement
We acknowledge that the Canadian Clay & Glass Gallery is located on the traditional territory of the Attawandaron, Anishinaabe and Haudenosaunee peoples. The Gallery is situated on the Haldimand Tract, land promised to Six Nations in 1784 that includes six miles on each side of the Grand River; yet, today, the Six Nations reside on less than five per cent of this unceded territory. Indigenous peoples have inhabited this land for thousands of years, and we respectfully share this territory in peace and friendship. We are grateful and we re-affirm our commitment to do the work, to unlearn and relearn, towards a true reconciliation.

Canadian Clay & Glass Gallery
25 Caroline St. N.
Waterloo, ON N2L 2Y5
519-746-1882
www.theclayandglass.ca

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Images Festival invites you to submit works to our 2022 Call for Submissions! Check out our calls for ON SCREEN (including Student Submissions), OFF SCREEN + LIVE, and GUEST PROGRAMMER.

 

The 35th edition of the Images Festival will take place from April 21 – 27, 2022. Visit this link for more information on how to submit.

 

Deadline: October 15, 2021

Associate Director: Collections

Catriona Jeffries is now accepting applications for the position of Associate Director:
Collections to start Fall 2021 in Vancouver, Canada.

Deadline: September 3, 2021

Job Description:

Associate Director: Collections is a full-time
position that will work directly with private,
public and museum collections in the communication and translation of gallery artists’
practices. This position will maintain, develop and grow relationships with collectors,
advisors, curators and institutions; administering acquisitions by museum and private
collections in relation to the gallerys exhibitions, art fairs, and artists exhibitions.

Qualifications:

The candidate will have demonstrated exceptional organizational, written and social
communication skills, the ability to excel in a fast-paced environment, and a thorough
knowledge of art history and the contemporary international art world. They will be able to
clearly communicate the artists practices and develop comprehensive knowledge of the
historical, material and conceptual structures of the work. An undergraduate or
postgraduate degree in art history, curatorial studies or visual arts is expected. Prior
experience in a contemporary gallery or museum and fluency in
additional languages is an
asset. Proficiency in a Mac OS environment is expected. Remuneration is commensurate
with qualifications and experience and the position includes a six-week vacation period.

How to apply:

Please send a cover letter detailing your qualifications and experience, as well as your
resume in a single PDF format by e-mail to gallery [arobas] catrionajeffries [point] com, subject Associate
Director: Collections by September 3, 2021. No telephone inquiries please, only successful
applicants will be contacted.

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call for curator of the Roma exhibition at the 59th Venice Biennale

Call for curator
Collateral event at the 59th Venice Biennale

Application deadline: September 10, 5pm

eriac.org

Commissioners of the Collateral Event: Zeljko Jovanovic, Chairman of the Board, and Tímea Junghaus, Executive Director of the European Roma Institute for Arts and Culture (ERIAC) publish the present call for the curator of the Roma exhibition, to demonstrate the institution’s founding principles—including the highest quality standards in arts and culture, and Roma leadership—at the 59th International Venice Biennale, which opens on April 23, 2022.

ERIAC has a unique and single mandate as the transnational, European-level organisation for the recognition of Roma arts and culture.

Submission:
Please send your proposal electronically, both as a Word document and as one pdf document in English. To be sent to: eriac [arobas] eriac [point] org

Deadline for applications: September 10, 2021, 5pm CET

Call for curator
ERIAC seeks a courageous and visionary curator with a project proposal that speaks deeply, sensitively and authentically from within the Roma subjectivity. The proposed project shall have the capacity to use the transformative power of art to make an impact on Roma lives. We foresee an initiative through which the widely fragmented, diverse and dispersed Roma communities may have a transformative and inspiring opportunity to transcend national boundaries and invite universal participation.

The accepted proposal will be presented in the framework of the ongoing ERIAC project RomaMoMA.

Requirements:
–A demonstrated history in curating and/or cultural management
–Knowledge of the contemporary Roma arts and culture scene
–Relevant education and experience
–Ability to contact artists, prepare and manage the exhibition
–Proven record in project administration and reporting
–Demonstrated commitment to equal opportunities and diversity

In the curatorial proposal, please include the following:
–Curator’s CV or biography (max. one A4 sheet)
–Curatorial concept: title, the themes the project deals with, information regarding the format and the realisation of the exhibition (max. two A4 sheets). The concept must be accepted and supported by all participating artists of the proposal
–CV or biography of the participating artists (one A4 sheet; in the case of more than one participating artist, max. five A4 sheets in total), with selection of low-resolution images of their works
–The description of the works and/or projects to be exhibited, with low-resolution images (max. five A4 sheets). In the case of selection, the project that will actually be realised and the participating artists must entirely coincide with those described in the approved proposal
–Illustrative images of the works to be placed on exhibit, which meet the standards set for publication (minimum format 24 x 32 cm, 300 dpi, tiff/jpg file), with complete captions and photography credits
–A chart of the exhibition budget of maximum 25,000 Euros, including curatorial and artists’ fees, material costs, installation, shipping, insurance, and other related expenses of the project

Applications from all suitably qualified candidates, irrespective of gender, disability, marital or parental status, racial, ethnic or social origin, religion, or sexual orientation are welcome.

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Call for next artistic director

Submission deadline: September 27, 5pm

www.biennaleofsydney.art

The Biennale of Sydney are calling for Expressions of Interest (EOI) from experienced curators who are interested in being the Artistic Director of the 24th Biennale of Sydney (2024).

The Biennale of Sydney is a leading international contemporary art event. It plays an indispensable role in Australia’s engagement with the world, and a meaningful role in the life of the nation. For almost 50 years, the Biennale has been a unifying force in the Australian arts sector, embedding boldly creative art exhibitions and experiences in the everyday life of Sydney and putting the artistic excellence of Australia front and centre on the world stage.

Since 1973, the Biennale of Sydney has commissioned and presented the works of 1900 artists from all around the world, including 405 Australians in museums and public spaces across Sydney.

As we approach our 50th anniversary in 2023, we are seeking a highly motivated and dynamic Artistic Director—or Artistic Director team—that can lead the vision of the Biennale in this key moment in our history; someone that embodies our core values of being boldly creative, agile, collaborative and respectful in all that we do, with a commitment to place and keeping people connected through contemporary art and ideas.

If that could be you, please complete the Expression of Interest form including a short 500-word statement of intent, outlining your vision for the 2024 edition, along with a current copy of your CV.

Expressions of Interest must be submitted by 5pm AEST on Monday, September 27, 2021.

Find out more here.

The Biennale of Sydney fosters a collaborative and respectful workplace culture, with a team as diverse as the exhibitions we present and the audiences who experience them. We actively encourage First Nations people, people from culturally and linguistically diverse backgrounds, LGBTQIA+ people, people with disability and those who have diverse experiences of our world to join the Biennale of Sydney team. We are committed to making reasonable adjustments to provide a positive, barrier-free recruitment process and supportive workplace. If you have support or access requirements, let us know in your application.

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Being Scene – Call for Curator
Deadline: Friday, September 24, 2021, at 5:00pm EST
Curator Fee: $5,000

Workman Arts is seeking a guest Curator (or team of Curators) to develop and curate a small group show of visual art/multimedia work as part of Being Scene 2022. We are looking for proposals that speak to the current social climate as it relates to mental health and/or addictions and continues to celebrate Workman member artists and artists with lived experience. Workman Arts supports proposals that offer to showcase artists’ most recent endeavours as well as works that incite conversation and promote a range of intersectional narratives. We are also encouraging proposals to outline ideas of how the group show can be exhibited as an in-person exhibition and/or virtually.

About Workman Arts:
Workman Arts is a multidisciplinary arts organization that promotes a greater understanding of mental health & addiction issues through creation & presentation. We support artists with lived experience through peer-to-peer arts education, public presentations & partnerships with the broader arts community. We offer these opportunities to a growing member base which consists of artists with varying levels of experience ranging from emerging to professional artists, in all forms of practices such as Media, Literary, Music, Theatre and Visual Arts. Member artists have an existing art practice and goals to further develop, professionalize and share their practice.

History of Being Scene:
The Being Scene exhibition began over 20 years ago on the grounds of the Centre for Addiction and Mental Health (CAMH). Every year, Being Scene exhibits a juried survey of over 100 artworks by Workman Arts member artists as well as artists with lived experience who have received services from CAMH. Last year, Workman Arts introduced a smaller curated exhibition as part of the overall exhibit. Working closely with a guest curator, artists gave shape to compelling ideas and narratives, covering a wide range of conceptual and material approaches from diverse experiences. Due to the pandemic the exhibition was completely virtual. The exhibition space for Being Scene 2022 has not been chosen, however in the past Being Scene was shown in spaces such as The Gladstone Hotel, Toronto Media Arts Centre (TMAC) and at CAMH. Going forward, Being Scene will continue to thrive in local spaces and online.

Upload proposals and other relevant information to this online form by Friday, September 24, 2021, at 5:00pm EST.

If this is a barrier, please contact Paulina Wiszowata for submission alternatives.

Workman Arts has identified equity and anti-oppression as strategic priorities and strongly encourages qualified applicants from diverse communities to apply and self-identify in their proposals. We welcome & encourage proposals from applicants who are Indigenous, Black, people of color, women, 2SLGBTQ+, people with disabilities, and/or are members of other marginalized groups.

Workman Arts’ office is mobility device accessible, which includes level entrances and ramps, accessible washrooms, wide and unobstructed pathways within the interior, elevators to access multiple levels, automatic doors and accessible parking. There is a gender-neutral washroom available. Though the selected guest curator will be primarily working remotely, we are open to accommodating any accessibility needs.

Questions? Please visit workmanarts.com or contact: paulina_wiszowata [arobas] workmanarts [point] com

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Vie des arts

Date de tombée : 4 octobre 2021

No 265 : Rubriques récurrentes non thématiques

Vous avez vu une exposition, assisté à un événement ou une manifestation artistique, lu un livre sur l’art publié récemment, ou vous voulez nous faire part d’un enjeu concernant les arts qui vous tient à cœur ? Envoyez-nous vos intentions pour la rédaction d’un article pour les rubriques récurrentes non thématiques suivantes :

Perspectives : nouvelles brèves collées à l’actualité des arts visuels au Québec et au Canada. Le style d’écriture est plus informatif qu’analytique, et les textes sont écrits de manière à mettre en perspective un enjeu d’actualité ciblé (portée sociale, politique ou collective d’un sujet sur l’art) ou font part d’une nouveauté du milieu de l’art (prix, nominations, nouveaux programmes, etc.).

Visites : couvertures d’expositions ou d’événements en cours ou terminés au plus tard deux mois avant la date limite de l’appel de propositions actif. L’objectif de ces couvertures est de faire comprendre les thèmes soulevés par l’exposition ou l’événement, en relation avec le corpus des artistes. L’autrice ou l’auteur est invité à développer un point de vue original sur les œuvres et faire preuve d’un engagement discursif avec son sujet en orientant son propos autour d’une idée ciblée et en évitant une approche strictement descriptive. L’utilisation de citations et de concepts théoriques est suggérée pour appuyer la discussion des œuvres, et l’emploi des notes de bas de page doit être limité.

Lectures : comptes rendus d’une publication sur l’art parue au courant de la dernière année. Le style d’écriture prend la forme d’un commentaire résumant l’ouvrage et le situant dans le contexte actuel.

Vie des arts priorise les propositions de sujets qui reflètent l’écriture de son autrice ou de son auteur : en d’autres termes, votre proposition doit être dynamique et nous donner un aperçu de votre style de rédaction !

Toutes les soumissions pour les rubriques récurrentes non thématiques doivent inclure le sujet anticipé selon la rubrique envisagée, ainsi qu’une description de l’angle critique qui sera utilisé pour la rédaction (250 mots), trois extraits de textes antérieurs (publiés ou non) ainsi qu’une courte biographie de l’autrice ou de l’auteur (40 mots), et être envoyées à redaction [arobas] viedesarts [point] com avant le 4 octobre 2021. Nous ferons un suivi avec les propositions pressenties et les textes finaux, suivant l’entente préalablement prise avec la rédaction, devront être rendus au courant du mois de novembre 2021. Veuillez noter que les propositions d’artistes portant sur leur propre travail seront refusées. 

No 266 : Dossier « TEXTE/ŒUVRE »

L’usage d’un langage écrit ou oral dans les arts visuels n’est pas nouveau. Il a été particulièrement porteur pour l’art conceptuel (certains auteurs parlent d’un tournant linguistique de l’art1), et était employé comme matériau en lui-même qui amenait à sa propre déconstruction et reconstruction. Le texte joint à l’œuvre enrichit sa signification, soit il en fait pleinement partie soit qu’il s’y annexe, comme autant de manières de dénoter l’image ou d’y ajouter une connotation. Si une partie de l’art conceptuel a soutenu une sorte de désubjectivisation de l’écriture qui s’attelait plutôt à critiquer le langage de l’art lui-même2, les artistes trouvent aujourd’hui dans le texte un lieu pour faire advenir leur narratif personnel et faire vivre des récits et mythes joignant leur création à leur réalité quotidienne. Comme méthode de création, le langage permet de réinterpréter sa subjectivité comme élément porteur : par l’acte de nommer, de dire et d’énoncer, les artistes sculptent le réel tant le langage a une puissance performative qui est forte. Provenant aussi de tout cet héritage riche de l’art comme chambre d’écho d’expériences intimes et comme langage performatif, les pratiques artistiques faisant usage du texte ou de l’écriture révèlent désormais une intention de se faire entendre.

Bénéficiant d’une longue tradition en art – nous pourrions aussi esquisser l’influence mutuelle de la littérature sur les arts visuels et vice versa –, le langage est employé comme matière (le signe, la voix), comme médium (inclusion du texte dans les œuvres), ou comme mode de création axé sur la communication (correspondance, art postal, dialogue, traduction). La résurgence forte qu’on observe en art contemporain et actuel pour l’usage des mots et du texte s’inscrit dans cette lignée, mais est aussi portée par des artistes-auteurs qui font de la textualité une approche à part entière : apparaissent ainsi des pratiques investiguant le livre comme objet artistique, ou se déployant dans l’exposition en considérant cet espace comme un texte en lui-même, à lire ou à écrire. La textualité s’incarne dans des formes intermédiales, parfois performatives ou citationnelles, supportée notamment par une complexification des modalités de lecture d’une œuvre au regard de la mutation du champ des communications et de l’information. Employé dans des démarches faisant écho aux postures féministes, anti-racistes et décoloniales désormais centrales à la création contemporaine, la textualité en tant que méthode d’énonciation en arts trouble les lieux communs pour faire émerger des significations décentralisant les récits dominants. En même temps, on cherche dans le langage l’énonciation et la réception d’affects ou d’émotions qui seraient traduites en d’autres formes communicantes. Dans les arts, le texte s’incarne en des formes visuelles ou ressenties, qu’il soit porté dans l’oralité, la tactilité ou la gestualité, il peut aussi intervenir pour combler les failles de l’oculocentrisme : il advient parfois en tant que traduction de ce que perçoit le sens de la vue. Le texte peut être lu autant qu’il peut être dit, entendu, touché, sculpté, écrit. Au mieux, les mots fonctionnent comme des systèmes de significations qui contredisent le régime langagier ou le régime visuel d’une œuvre d’art : les artistes joueront ainsi avec le sous-titrage et la description visuelle, faisant émerger une dissonance entre les mots, les choses, leur contexte de lecture et d’énonciation, pour ouvrir les possibles sens d’une œuvre d’art comme objet sémiotique, voire situé dans une expérience singulière. Quelle(s) position(s) les mots en arts permettent-ils de prendre ? Se dégage-t-il une tendance chez les artistes en faisant l’usage ? Quel est l’apport du texte dans des œuvres intermédiales ? Comment envisager des formes artistiques qui pourraient se lire, ou des expositions en tant que textes ? 

Le dossier thématique « TEXTE/ŒUVRE » vise ainsi à regrouper des articles qui investiguent les formes que prennent le texte, les mots et leur traduction dans l’art contemporain et actuel en tant que systèmes sémiologiques. Ces procédés riches cristallisent des récits collectifs qui, eux, ajoutent à l’œuvre d’art une complexité de significations à comprendre à partir de lieux précis et situés, prenant en compte l’expérience individuelle, affective et émotive comme autant de nuances des sens communs. À l’œuvre peut s’ajouter un langage écrit ou oral qui valide, complète ou contredit les signaux visuels ou sensitifs, et dans les contradictions possibles entre les différents régimes de langage d’une œuvre réside sa nature intermédiale et communicante. Les autrices et auteurs pourraient ainsi s’intéresser aux pratiques de collages alliant texte et image (digitale ou non), aux pratiques motivées par une traduction des sens pour l’accessibilité ou à l’écriture tactile comme forme artistique, aux pratiques épistolaires ou d’art postal informées par une écriture affective ou personnelle, aux pratiques se cristallisant en tant que livre, à celles procédant au détournement du langage digital et des codes de communications électroniques – courriels, textos, clavardage, émoticônes ou ceux caractérisés par des possibilités de réinterprétation multiple tels les mèmes –, enfin à la mise en espace des mots et du texte en contexte d’exposition et de participation à l’œuvre. 

Toutes les soumissions pour le dossier doivent comprendre une proposition de texte en lien avec la thématique, incluant le sujet anticipé (350 mots), la liste des artistes et des œuvres qui seront analysés dans le texte, trois extraits de textes antérieurs (publiés ou non) ainsi qu’une courte biographie de l’autrice ou de l’auteur (40 mots), et être envoyées à redaction [arobas] viedesarts [point] com avant le 4 octobre 2021. Nous ferons un suivi avec les propositions pressenties, et les textes finaux, suivant l’entente préalablement prise avec la rédaction, devront être rendus au courant du mois de janvier 2022.

Les propositions pour les portraits d’artistes doivent désormais répondre au thème annoncé du dossier thématique. 

Veuillez noter que les propositions d’artistes portant sur leur propre travail ne seront pas considérées.

Dans l’optique de favoriser une pluralité de voix et de regards sur l’art actuel, Vie des arts souhaite lancer une invitation spécifique, mais non exclusive, aux personnes autochtones et racisées afin qu’elles puissent soumettre une proposition d’article.

Date de tombée : 4 octobre 2021
No 265 : Rubriques récurrentes non thématiques
Vous avez vu une exposition, assisté à un événement ou une manifestation artistique, lu un livre sur l’art publié récemment, ou vous voulez nous faire part d’un enjeu concernant les arts qui vous tient à cœur ? Envoyez-nous vos intentions pour la rédaction d’un article pour les rubriques récurrentes non thématiques suivantes :

Perspectives : nouvelles brèves collées à l’actualité des arts visuels au Québec et au Canada. Le style d’écriture est plus informatif qu’analytique, et les textes sont écrits de manière à mettre en perspective un enjeu d’actualité ciblé (portée sociale, politique ou collective d’un sujet sur l’art) ou font part d’une nouveauté du milieu de l’art (prix, nominations, nouveaux programmes, etc.).

Visites : couvertures d’expositions ou d’événements en cours ou terminés au plus tard deux mois avant la date limite de l’appel de propositions actif. L’objectif de ces couvertures est de faire comprendre les thèmes soulevés par l’exposition ou l’événement, en relation avec le corpus des artistes. L’autrice ou l’auteur est invité à développer un point de vue original sur les œuvres et faire preuve d’un engagement discursif avec son sujet en orientant son propos autour d’une idée ciblée et en évitant une approche strictement descriptive. L’utilisation de citations et de concepts théoriques est suggérée pour appuyer la discussion des œuvres, et l’emploi des notes de bas de page doit être limité.

Lectures : comptes rendus d’une publication sur l’art parue au courant de la dernière année. Le style d’écriture prend la forme d’un commentaire résumant l’ouvrage et le situant dans le contexte actuel.

Vie des arts priorise les propositions de sujets qui reflètent l’écriture de son autrice ou de son auteur : en d’autres termes, votre proposition doit être dynamique et nous donner un aperçu de votre style de rédaction !

Toutes les soumissions pour les rubriques récurrentes non thématiques doivent inclure le sujet anticipé selon la rubrique envisagée, ainsi qu’une description de l’angle critique qui sera utilisé pour la rédaction (250 mots), trois extraits de textes antérieurs (publiés ou non) ainsi qu’une courte biographie de l’autrice ou de l’auteur (40 mots), et être envoyées à redaction [arobas] viedesarts [point] com avant le 4 octobre 2021. Nous ferons un suivi avec les propositions pressenties et les textes finaux, suivant l’entente préalablement prise avec la rédaction, devront être rendus au courant du mois de novembre 2021. Veuillez noter que les propositions d’artistes portant sur leur propre travail seront refusées. 

No 266 : Dossier « TEXTE/ŒUVRE »
L’usage d’un langage écrit ou oral dans les arts visuels n’est pas nouveau. Il a été particulièrement porteur pour l’art conceptuel (certains auteurs parlent d’un tournant linguistique de l’art1), et était employé comme matériau en lui-même qui amenait à sa propre déconstruction et reconstruction. Le texte joint à l’œuvre enrichit sa signification, soit il en fait pleinement partie soit qu’il s’y annexe, comme autant de manières de dénoter l’image ou d’y ajouter une connotation. Si une partie de l’art conceptuel a soutenu une sorte de désubjectivisation de l’écriture qui s’attelait plutôt à critiquer le langage de l’art lui-même2, les artistes trouvent aujourd’hui dans le texte un lieu pour faire advenir leur narratif personnel et faire vivre des récits et mythes joignant leur création à leur réalité quotidienne. Comme méthode de création, le langage permet de réinterpréter sa subjectivité comme élément porteur : par l’acte de nommer, de dire et d’énoncer, les artistes sculptent le réel tant le langage a une puissance performative qui est forte. Provenant aussi de tout cet héritage riche de l’art comme chambre d’écho d’expériences intimes et comme langage performatif, les pratiques artistiques faisant usage du texte ou de l’écriture révèlent désormais une intention de se faire entendre.

Bénéficiant d’une longue tradition en art – nous pourrions aussi esquisser l’influence mutuelle de la littérature sur les arts visuels et vice versa –, le langage est employé comme matière (le signe, la voix), comme médium (inclusion du texte dans les œuvres), ou comme mode de création axé sur la communication (correspondance, art postal, dialogue, traduction). La résurgence forte qu’on observe en art contemporain et actuel pour l’usage des mots et du texte s’inscrit dans cette lignée, mais est aussi portée par des artistes-auteurs qui font de la textualité une approche à part entière : apparaissent ainsi des pratiques investiguant le livre comme objet artistique, ou se déployant dans l’exposition en considérant cet espace comme un texte en lui-même, à lire ou à écrire. La textualité s’incarne dans des formes intermédiales, parfois performatives ou citationnelles, supportée notamment par une complexification des modalités de lecture d’une œuvre au regard de la mutation du champ des communications et de l’information. Employé dans des démarches faisant écho aux postures féministes, anti-racistes et décoloniales désormais centrales à la création contemporaine, la textualité en tant que méthode d’énonciation en arts trouble les lieux communs pour faire émerger des significations décentralisant les récits dominants. En même temps, on cherche dans le langage l’énonciation et la réception d’affects ou d’émotions qui seraient traduites en d’autres formes communicantes. Dans les arts, le texte s’incarne en des formes visuelles ou ressenties, qu’il soit porté dans l’oralité, la tactilité ou la gestualité, il peut aussi intervenir pour combler les failles de l’oculocentrisme : il advient parfois en tant que traduction de ce que perçoit le sens de la vue. Le texte peut être lu autant qu’il peut être dit, entendu, touché, sculpté, écrit. Au mieux, les mots fonctionnent comme des systèmes de significations qui contredisent le régime langagier ou le régime visuel d’une œuvre d’art : les artistes joueront ainsi avec le sous-titrage et la description visuelle, faisant émerger une dissonance entre les mots, les choses, leur contexte de lecture et d’énonciation, pour ouvrir les possibles sens d’une œuvre d’art comme objet sémiotique, voire situé dans une expérience singulière. Quelle(s) position(s) les mots en arts permettent-ils de prendre ? Se dégage-t-il une tendance chez les artistes en faisant l’usage ? Quel est l’apport du texte dans des œuvres intermédiales ? Comment envisager des formes artistiques qui pourraient se lire, ou des expositions en tant que textes ? 

Le dossier thématique « TEXTE/ŒUVRE » vise ainsi à regrouper des articles qui investiguent les formes que prennent le texte, les mots et leur traduction dans l’art contemporain et actuel en tant que systèmes sémiologiques. Ces procédés riches cristallisent des récits collectifs qui, eux, ajoutent à l’œuvre d’art une complexité de significations à comprendre à partir de lieux précis et situés, prenant en compte l’expérience individuelle, affective et émotive comme autant de nuances des sens communs. À l’œuvre peut s’ajouter un langage écrit ou oral qui valide, complète ou contredit les signaux visuels ou sensitifs, et dans les contradictions possibles entre les différents régimes de langage d’une œuvre réside sa nature intermédiale et communicante. Les autrices et auteurs pourraient ainsi s’intéresser aux pratiques de collages alliant texte et image (digitale ou non), aux pratiques motivées par une traduction des sens pour l’accessibilité ou à l’écriture tactile comme forme artistique, aux pratiques épistolaires ou d’art postal informées par une écriture affective ou personnelle, aux pratiques se cristallisant en tant que livre, à celles procédant au détournement du langage digital et des codes de communications électroniques – courriels, textos, clavardage, émoticônes ou ceux caractérisés par des possibilités de réinterprétation multiple tels les mèmes –, enfin à la mise en espace des mots et du texte en contexte d’exposition et de participation à l’œuvre. 

Toutes les soumissions pour le dossier doivent comprendre une proposition de texte en lien avec la thématique, incluant le sujet anticipé (350 mots), la liste des artistes et des œuvres qui seront analysés dans le texte, trois extraits de textes antérieurs (publiés ou non) ainsi qu’une courte biographie de l’autrice ou de l’auteur (40 mots), et être envoyées à redaction [arobas] viedesarts [point] com avant le 4 octobre 2021. Nous ferons un suivi avec les propositions pressenties, et les textes finaux, suivant l’entente préalablement prise avec la rédaction, devront être rendus au courant du mois de janvier 2022.

Les propositions pour les portraits d’artistes doivent désormais répondre au thème annoncé du dossier thématique. 

Veuillez noter que les propositions d’artistes portant sur leur propre travail ne seront pas considérées.

Dans l’optique de favoriser une pluralité de voix et de regards sur l’art actuel, Vie des arts souhaite lancer une invitation spécifique, mais non exclusive, aux personnes autochtones et racisées afin qu’elles puissent soumettre une proposition d’article.

Appel en ligne

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DATE LIMITE / 1ER NOVEMBRE 2021

Le Centre CLARK invite les artistes, les collectifs et les commissaires à soumettre un projet d’exposition pour notre appel de dossiers général. Qu’il s’agisse d’exposer les œuvres d’artistes émergents ou aguerris, locaux ou internationaux, CLARK soutient une pluralité d’approches et de pratiques artistiques novatrices et expérimentales. Notre programmation annuelle présente une multiplicité de voix, de perspectives, d’héritages, de points de vue et d’expériences qui se traduisent en autant de formes d’art actuel. Cette multiplicité se concrétise entre autres par l’inclusion d’une pluralité culturelle, par l’échange intergénérationnel et par l’équité des genres.
 
TOUS LES DÉTAILS ICI :
https://centreclark.com/fr/galerie/

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esse art + opinion

No. 105 – Dossier Nouvel nouvel age

Date de tombée : 10 janvier 2022

Tel un spectre malicieux ou une force surnaturelle indocile, la résurgence ponctuelle des croyances occultes – sorcellerie, divination, astrologie, magie, alchimie – hante depuis toujours l’histoire de l’humanité. Tour à tour ennemi du Christianisme, pierre d’achoppement de la logique kantienne ou carrément menace du patriarcat (la sorcière étant une figure « maléfique » puissante largement revendiquée par les féministes), cet engouement sporadique pour le mystique et ses innombrables déclinaisons semble être le symptôme tangible d’une lassitude sourde face à l’ordre établi et aux systèmes de pensée hégémoniques. Aujourd’hui encore, l’intérêt renouvelé pour le mysticisme et les modalités d’agentivité et de pouvoir parallèles qu’il suggère se fait l’écho de l’inertie politique générale. Des concoctions hormonales « faites maison » aux pratiques animistes antispécistes, les multiples stratégies offertes par ce nouvel nouvel âge, comme nous serions tenté·e·s de le nommer à la suite du mouvement contre-culturel occidental des années 1970, répondent au besoin pressant d’agir hors d’un néolibéralisme qui tue, petit à petit, notre planète et les relationalités qui s’y jouent. Mais bien plus qu’une simple riposte ésotérique, l’existence de forces occultes – ou de forces théoriquement inexplicables – semble désormais entérinée par la science elle-même, à preuve les récentes découvertes de la mécanique quantique et des états presque « magiques » de la matière, ouvrant toute grande la porte au mysticisme quantique ! Si l’occulte séduit et fait peur tout à la fois, c’est qu’il ne peut être assujetti, qu’il n’a de cesse de se dérober au sens commun.

[…] Figure incontournable de ces croisements disciplinaires et icône iconoclaste par excellence pour nombre d’artistes actuel·le·s, la sorcière est d’ailleurs une source incontournable d’inspiration. Guérisseuse, chamane, alchimiste, herboriste, magicienne et sybille, la sorcière appelle à une décolonisation des savoirs et de la spiritualité, à l’effritement du patriarcat et du capitalisme, à une affinité intime avec la nature et le cosmos, au métissage des arts et de l’artisanat, du politique et du magique. Loin d’être la seule à caractériser ce nouvel nouvel âge, la sorcière s’accompagne d’une multiplicité d’entités réelles et imaginaires, de méthodologies queers, de posture antispécistes et de formes de création hybride repoussant toujours davantage les frontières de l’art. À la lumière des perspectives ouvertes par ce nouvel nouvel âge, ce dossier cherche à explorer les croisements entre ces approches multiformes de l’occulte et de la spiritualité 2.0 et les pratiques artistiques actuelles.

 

Appel de textes + Politique éditoriale

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Associate Director: Collections

Catriona Jeffries is now accepting applications for the position of Associate Director:
Collections to start Fall 2021 in Vancouver, Canada.

Deadline: September 3, 2021

Job Description:

Associate Director: Collections is a full-time position that will work directly with private,
public and museum collections in the communication and translation of gallery artists’
practices. This position will maintain, develop and grow relationships with collectors,
advisors, curators and
institutions; administering acquisitions by museum and private
collections in relation to the gallerys exhibitions, art fairs, and artists exhibitions.

Qualifications:

The candidate will have demonstrated exceptional organizational, written and social
communication skills, the ability to excel in a fast-paced environment, and a thorough
knowledge of art history and the contemporary international art world. They will be able
to clearly communicate the artists practices and develop comprehensive knowledge of
the historical, material and conceptual structures of the work. An undergraduate or
postgraduate degree in art history, curatorial studies or visual arts is expected. Prior
experience in a contemporary gallery or museum and fluency in additional languages
is an asset. Proficiency in a Mac OS environment is expected. Remuneration is
commensurate with qualifications and experience and the position includes a six-week
vacation period.

How to apply:

Please send a cover letter
detailing your qualifications and experience, as well as your
resume in a single PDF format by e-mail to gallery [arobas] catrionajeffries [point] com, subject
Associate Director: Collections by September 3, 2021. No telephone inquiries please,
only successful applicants will be contacted.

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Associate Director: Collections

Catriona Jeffries is now accepting applications for the position of Associate Director:
Collections to start Fall 2021 in Vancouver, Canada.

Deadline: September 3, 2021

Job Description:

Associate
Director: Collections is a full-time position that will work directly with private,
public and museum collections in the communication and translation of gallery artists’
practices. This position will maintain, develop and grow relationships with collectors,
advisors, curators and institutions; administering acquisitions by museum and private
collections in relation to the gallerys exhibitions, art fairs, and artists exhibitions.

Qualifications:

The candidate will have demonstrated exceptional organizational, written and social
communication skills, the ability to excel in a fast-paced environment, and a thorough
knowledge of art history and the contemporary international art world. They will be able
to clearly communicate the artists practices and develop comprehensive knowledge of
the historical, material and conceptual structures of the work. An undergraduate or
postgraduate degree in art history, curatorial studies or visual arts is expected. Prior
experience in a contemporary
gallery or museum and fluency in additional languages
is an asset. Proficiency in a Mac OS environment is expected. Remuneration is
commensurate with qualifications and experience and the position includes a six-week
vacation period.

How to apply:

Please send a cover letter detailing your qualifications and experience, as well as your
resume in a single PDF format by e-mail to gallery [arobas] catrionajeffries [point] com, subject
Associate Director: Collections by September 3, 2021. No telephone inquiries please,
only successful applicants will be contacted.