Digifest 2021 Call for Submissions
George Brown College, Online/Toronto & Milan

Deadline: October 1

Digifest, an annual festival on innovation and digital creativity, invites proposals from artists, creators and designers to present orexhibit virtual art work at this year’s online event on November 19.

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Ar(n)t Write is excited to announce an open call for artists writing about other artists!

Ar(n)t Write is an artist-run public platform for artists to share a variety of writings about
artistic work. The aim of the platform is to reinforce artistic communities and encourage
writing about art-making.

All selected submissions will be posted on Ar(n)t Write website and instagram page.
A
portion of selected submissions will be printed as part of the quaterly Ar(n)t Write Zine
(circulated in Vancouver, BC). Published participants receive up to 5 copies of the zine.

The current deadline is October 1st.

To submit please follow the guidelines on our website:

https://arntwrite.wixsite.com/home/submit

Digital version of our previous issue is available on our website:

https://arntwrite.wixsite.com/home/post/ar-n-t-write-issue-1

Follow us on instagram: @arntwrite

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Craftivism = craft + activism
Call for Proposals

The Canadian Clay & Glass Gallery is seeking project proposals from Canadian artists on the theme of craftivism for a potential major solo or group exhibition.

We are looking for large scale projects in the craft of ceramics, glass or copper enameling that push the boundaries of contemporary craft and installation art. We want your wild ideas and collaborations. Surprise us with something powerful that will make a statement and command attention when installed in one of our Galleries. Proposals should engage with current Canadian social issues to start conversations, education, and sharing towards the greater good. These proposals will be considered for potential exhibitions in future programming seasons at the Canadian Clay & Glass Gallery (Waterloo, Ontario), with the possibility to circulate across the country.

Projects can include community involvement, workshops, or other initiatives. The resulting exhibition can extend beyond the walls of the gallery into the community, public spaces, and more. We’re looking for truly innovative approaches to contemporary exhibitions. Show us your creativity and vision for an exhibition that brings the community together both physically and visually.

As Ele Carpenter writes in Activist Tendencies in Craft: “In these practices the social, performative and critical discourse around the work is central to its production and dissemination. Here craft is not simply a luddite desire for the localized handmade, but a social process of collective empowerment, action, expression and negotiation.” (Arnolfini Journal, April 2010)

Proposals must be submitted through our online submission system. Click here to submit your proposal.

Proposals should include:

• CV or resume of creator (PDF format)
• A single PDF document including:
  1.  Proposal title
  2.  List of participants (if known)
  3.  Rationale for the project
  4.  Social issue addressed
  5.  Description of the planned artworks, processes, and installation including any unique installation requirements
  6.  Description of possible educational or public engagement activities
  7.  Materials needed
  8.  Project timeline
  9.  Draft budget items and costs (including CARFAC fees for artists – Category II Institution)
• Up to 5 supporting images (past work or concepts for the proposal)

For information call Denis at 519-746-1882 x: 231 or by email at denis [arobas] theclayandglass [point] ca

We welcome submissions that are representative of the diversity of our community and encourage proposals from artists of colour, Indigenous artists, Deaf artists, artists with disabilities, and members of the LGBTQ2S+ community. If you require accommodations or assistance with your proposal, contact Denis Longchamps.

About the Canadian Clay & Glass Gallery
The Canadian Clay & Glass Gallery celebrates contemporary ceramic and glass artists engaged in conceptual, technical or material research. Located in Waterloo, Ontario, we are a not-for-profit institution that aims to collect, exhibit, research, promote, and preserve work by Canadian artists and makers in clay, glass, and copper enameling to represent the diversity of the Canadian landscape. Our rotating exhibitions celebrate and support diverse artists from across Canada working in these mediums and present their work to the public. Through exhibitions that address current and relevant issues, and public programs that engage, educate, and inspire, we are accessible to all. An essential organization within the Canadian cultural landscape, the Canadian Clay & Glass Gallery is a site of leadership that influences craft, design, and fine art communities.

A relevant and dynamic cultural organization, the Gallery provides supportive education programs to people from across the region. Using exhibitions as a starting point, individuals develop arts vocabulary, arts appreciation and cultivate confidence in their interpretation of contemporary artworks. People who return to The Canadian Clay & Glass Gallery many times come to understand that the Gallery is a space with dynamic exhibitions, ever-changing hands-on programs and multiple opportunities for learning.

Land Acknowledgement
We acknowledge that the Canadian Clay & Glass Gallery is located on the traditional territory of the Attawandaron, Anishinaabe and Haudenosaunee peoples. The Gallery is situated on the Haldimand Tract, land promised to Six Nations in 1784 that includes six miles on each side of the Grand River; yet, today, the Six Nations reside on less than five per cent of this unceded territory. Indigenous peoples have inhabited this land for thousands of years, and we respectfully share this territory in peace and friendship. We are grateful and we re-affirm our commitment to do the work, to unlearn and relearn, towards a true reconciliation.

Canadian Clay & Glass Gallery
25 Caroline St. N.
Waterloo, ON N2L 2Y5
519-746-1882
www.theclayandglass.ca

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Images Festival invites you to submit works to our 2022 Call for Submissions! Check out our calls for ON SCREEN (including Student Submissions), OFF SCREEN + LIVE, and GUEST PROGRAMMER.

Offre d’emploi – Direction générale

Folie/Culture, qui organise des activités artistiques et sociales de sensibilisation en santé mentale, est à la recherche d’une personne dynamique et responsable pour assurer la direction générale de l’organisme.

L’organisme trouve essentielle la barre oblique entre Folie et Culture. Il s’agit de maintenir toujours en questionnement ce qui est « folieculturien », c’est-à-dire ce qui se trouve entre l’art et la santé mentale, les liens et écarts entre les deux. Nos thématiques et activités sont marquées du sceau de cette réflexion.

Sommaire du poste
Sous la responsabilité du conseil d’administration, la personne à la direction générale assure le développement de l’organisme, son financement, son rayonnement, les relations avec ses partenaires et la gestion de ses ressources organisationnelles. En collaboration avec le comité de programmation, elle assure également l’élaboration de la programmation.

Principales responsabilités
• Soutenir le conseil d’administration dans l’élaboration des orientations et la prise de décisions.
• Garantir la santé financière de l’organisme par une utilisation optimale des ressources, par la rédaction des demandes de subvention tant dans le domaine artistique que celui de la santé mentale, et par la recherche active de nouvelles sources de financement.
• En collaboration avec le comité de programmation, établir une programmation annuelle équilibrée et en assurer le suivi et la réalisation.
• Coordonner les ressources humaines des ressources humaines en favorisant une gestion participative et un climat sain et dynamique.
• Promouvoir et représenter l’organisme, et saisir les occasions de développement auprès de différentes instances et organisations tant dans le milieu artistique que celui de la santé mentale.

Compétences et habiletés personnelles requises
• Sens de la planification et de la gestion.
• Bonne connaissance du milieu de la santé mentale et du milieu de l’art contemporain.
• Bonne connaissance des programmes gouvernementaux de financement et expérience en rédaction de demande de subventions.
• Connaissance des techniques et outils de gestion budgétaire.
• Aptitude pour le travail d’équipe, les relations publiques et l’implication communautaire.
• Connaissance des structures des OBNL.
• Sensibilité aux valeurs et préoccupations de l’organisme.
• Maîtrise du français et de l’anglais parlé et écrit.
• Diplôme universitaire en gestion d’organismes culturels, un atout.

Exigences
• Diplôme de 1er cycle universitaire dans une discipline appropriée, ou équivalent.
• Expérience en gestion d’organisme.

Conditions
• 35 heures par semaine, flexibilité pour réunions et événements exigée.
• 4 semaines de vacances payées après une année de services continus.
• 18 jours de congé férié payés, dont 8 jours mobiles pendant le temps des Fêtes.
• 1 journée de congé de maladie par mois.
• Salaire de base de 25 $ l’heure.
• Entrée en fonction : dès que possible.

Les entrevues auront lieu dans la semaine du 4 octobre 2021.

Merci de faire parvenir votre curriculum vitæ accompagné d’une lettre de présentation.

Les candidatures doivent être envoyées au plus tard le 19 septembre à l’adresse suivante : fc [arobas] folieculture [point] org.

Une description détaillée du poste sera disponible sur demande.

Notez bien que seules les personnes retenues pour une entrevue seront contactées.

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DEADLINE REMINDER: Call for Proposals

Vol. 27, No. 4: ‘On Care’ (June 2022)

Proposal Deadline 27 September 2021
 

Issue Editors:

Felipe Cervera (LASALLE College of the Arts, Singapore)

Helena Grehan (Murdoch University, Australia)

Kristof van Baarle (University of Antwerp, Belgium)

This issue of Performance Research seeks to expand on and advance ideas and practices of care. During the last decade, the arts have adopted care as a hands-on concept to rethink how work is created and how it relates to its audiences. Increasingly aware that care is a performative practice that also requires imagination (Hamington 2010), artists have investigated what an aesthetics of care could be, and have sought ways to take care of one another during the creative process, even extending that care well beyond the boundaries of their work and of the communities they assemble. Similarly, arts organizations feel the need to take better care of the people and structures they consist of—an act that requires a change to these structures and institutions, which are often already in a state of crisis. Yet, if the last decade can be characterized in any way, it would probably be relative to the speed with which new crises emerge, challenging any form of established sociality and therefore the ways we think and engage with care. How we might think of care now—as an idea, a practice, a politics and/or an actuality that answers to the fluidity of contemporary crises and situations?

The ‘care’ turn in artistic practice responds to a similar turn in the wider humanities, with louder voices calling for critical and interdisciplinary articulations. For example, Joan C. Tronto asks:

How do we go from a society that is primarily concerned with economic production to one that also emphasizes care? … To do so, we have to re-imagine democratic life as ongoing practices and institutions in which all citizens are engaged. This engagement presumes that relational selves, who need ongoing participation as both receivers and givers of care, will be central in making judgments about responsibility.  (Tronto 2013: 169)

Contextualizing this in performance studies, Amanda Stuart Fisher emphasizes that ‘performance’ and ‘care’ co-relate to each other to the extent that ‘it is impossible to conceive of caring practice outside the parameters of how it is performed’, and therefore it ‘exists only as a live encounter and within a specific juncture of time and space’ that ‘involves forms of embodied knowledge’ (2020: 7). Similarly, Stuart Fisher builds on this to signal that while the two fields have a natural convergence that enables a re-thinking of performance practice in multiple ways, at the same time

  importing the values and practices of care into performance… can also become a mode of critique, offering a way of reading and interrogating practices that feel careless or that seem to exploit rather than attend to the suffering of its participants and co-creators.                           

(Stuart Fisher 2020: 10)

Care may not necessarily be ‘good’ in itself. We need to remain critical about the use, abuse and potential over-use of the concept. Over the past year we have seen that the directive to ‘take care’ in a state of exception has become more than a friendly goodbye—it has become an order that enforces what Giorgio Agamben (2021) has called ‘techno-medical despotism’. Care is complicated. As well as having valuable connotations as outlined above, it is also being captured by commercial and neoliberal logics, with green and social washing as cynical performances of care that reinstall dynamics of dependence and conditionality (Ndikung 2021) or with self-care as a euphemism for fending for yourself. Hence, we need a critical approach to care more than ever: a situated, disruptive, yet committed intervention, a gesture that at once interferes in processes of suffering and devastation, and speculatively opens up alternative pathways. Care might, after more than a year of pandemic, first of all mean to repair: to heal environments and relations, interconnections and interdependencies, to rebuild worlds.

What can we do about this as artists, as academics and as members of various communities? What are we doing? As Zygmunt Bauman explains:

Reason cannot help the moral self without depriving that self of what makes the self moral: the unfounded, non-rational, un-arguable, no-excuses given, and non-calculable urge to stretch towards the other, to caress, to be for, to lie for, happen what may. (Bauman 1993: 247)

How, if at all, are we stretching towards one another? How are we ‘being for’, coping with and surviving with them? What kinds of acts of care and indeed carelessness have been taking place in public, in private, in secret? Ultimately, how do we reconsider the concept of care in the new world order? And furthermore: the becoming-endemic of the virus reminds us that practices of care exist in relation to the non-human. Since various influential publications in the 1980s and 1990s (for example, Gilligan 1982; Tronto 1993, 2013), care as a feminist ethical-political concept has developed well beyond its initial environment. The recent work of Maria Puig de la Bellacasa (2017) has brought care beyond the realm of the human to include relations and responsibilities for more-than-human species and other non-human entities or ecosystems.

What is care likely to be as we slowly emerge from COVID-19? Are we too tired to care? Has care been hijacked by social distancing, by illness and destruction and also by the media to become a vacuous idea? Could we care less? Or should we, and do we, care more than ever? We see broken lives, broken communities, broken structures (theatres, arts centres, businesses, educational and health sectors), increasing isolation and despair. We see a world crying out for care, for touch, for connection but one also constrained by rules about who can, who can’t—touch, care, connect, enter, leave—and how.

The theme of ‘On Care’ emerged from a week-long workshop at the Croatian National Theatre Ivan Zajc in Rijeka held from 3 to 7 June 2019. The Rijeka workshop was the initiative of the Croatian National Theatre, Rijeka; general manager and artistic director Marin Blažević; along with then vice-president of Performance Studies International (PSi) Professor Peter Eckersall. They invited fifteen international artists and academics to join them and colleagues in Rijeka to plan what was to be the 2020 PSi conference. The workshop was supported by the European Capital of Culture initiative and allowed the group to collaborate on developing a theme and a curatorial vision for the conference that would be held when Rijeka was European Capital of Culture in 2020. Of the many ideas and concepts workshopped that week the idea that the group—of which the editors of this issue were part—kept returning to was that of care. Questions and discussions swirled around this notion repeatedly, with the team eventually settling on ‘Crises of Care’ as the conference theme. Little did we know then that the term and actuality of crisis would become much more profound and widespread, leaching from concerns at that time with climate change, digital disruption, neo-liberal politics, precarity and issues concerning refugees and asylum seekers (among others) to the current situation where, while those crises remain, they have been amplified, extended and augmented by the pernicious force of COVID-19 and its far-reaching destruction. Nor did we know that the pandemic would engulf the idea of care, of society and of the possibility of a conference—that the world would be transformed, and that care would take centre stage in multiple and unexpected ways.

This issue invites articles, manifestos, position papers, interviews and artist pages that think through the idea and practice of care. Topics may include but are not limited to:

Caretaking and life stewardship

Aesthetics of care

Art as a caring apparatus

End of life care and COVID-19

The limits of care ethics

Who has the right to care?

The politics of over-caring

How to care critically

Academic work and social care

Curatorial and editorial care (or lack thereof)

The caring state or caring apparatuses of biopolitics

Rituals of self-care

Care and race/identity

Trans-species care

The appropriation of ‘care’ by the neo-liberal machine

The politics of caring or refusing to care

Care as relational responsibility

Care beyond life—beyond the human

Theatrical care: mask work and hand gestures

References

Agamben, Giorgio (2021) ‘Meet the philosopher who is trying to explain the pandemic’, New York Times, https://www.nytimes.com/2020/08/21/opinion/sunday/giorgio-agamben-philosophy-coronavirus.html, 21 August.

Bauman, Zygmunt (1993) Postmodern Ethics, London: Blackwell.

Gilligan, Carol (1982) In a Different Voice: Psychologial theory and women’s eevelopment, Cambridge, Mass: Harvard University Press.

Hamington, Maurice (2010) ‘The will to care: Performance, expectation, and imagination’, Hypatia 25(3): 675–95.

Ndikung, Bonaventure Soh Bejeng (2021) The Delusions of Care, Berlin: Archive Books.

Puig de la Bellacasa, Maria (2017) Matters of Care. Speculative ethics in more than human worlds, London and Minneapolis, MN: University of Minnesota Press.

Stuart Fisher, Amanda (2020) ‘Introduction: Caring performance, performing care’, in Amanda Stuart Fisher and James Thompson (eds), Performing Care: New perspectives on socially engaged performance, Manchester: Manchester University Press, pp.1-18.

Tronto, Joan C. (1993) Moral Boundaries: A political argument for an ethic of care, London: Routledge.

Tronto, Joan C. (2013) Caring Democracy: Markets, equality, and justice, New York, NY: NYU Press.

Schedule:

Proposals: 27 September

First drafts: 17 December

Final drafts: 11 February

Publication: June 2022

Issue contacts:

All proposals, submissions and general enquiries should be sent direct to Performance

Research at: info [arobas] performance-research [point] org

Please send 300–400 word proposals and a 100-word bio.

Issue-related enquiries should be directed to:

Helena Grehan, Murdoch University— H [point] Grehan [arobas] murdoch [point] edu [point] au

General Guidelines for Submissions:

Before submitting a proposal, we encourage you to visit our website (www.performance-research.org ) and familiarize yourself with the journal.
Proposals will be accepted by email (Microsoft Word or Rich Text Format (RTF)). Proposals should not exceed one A4 side.
Please include your surname in the file name of the document you send.
Please include the issue title and issue number in the subject line of your email.
Submission of images and other visual material is welcome provided that all attachments do not exceed 5 MB, and there is a maximum of five images. Copyright clearance remains the responsibility of the author.
Submission of a proposal will be taken to imply that it presents original, unpublished work not under consideration for publication elsewhere.
If your proposal is accepted, you will be invited to submit an article in first draft by the deadline indicated above. On the final acceptance of a completed article you will be asked to sign an author agreement in order for your work to be published in Performance Research.

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Programme DIALOGUE – Volet Relève étudiante 2021-2022

Les Fonds de Recherche du Québec lancent pour une troisième année consécutive le concours de bourse Dialogue visant à encourager les chercheurs et chercheuses ainsi que les étudiants et étudiantes des cycles supérieurs à mener des activités en communication scientifique auprès du grand public. 

Date limite (avis ou lettre d’intention) :  7 octobre 2021 à 16h00. 
Plus d’informations sur les dates butoir et l’admissibilité au programme. 

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Call for contributions on the theme *Blockchain Scenes* for the Journal of Digital Social Research

This JDSR special issue has two goals: It aims to bring together empirical research on the social composition, organizational forms and material settings of blockchain scenes through various research methods (onsite ethnography, web ethnography, social network analysis; etc.); It also seeks innovative theoretical, analytical, and critical approaches to blockchain through the lens of scene studies.

Deadline to submit:  October 15
More details on the themes and submission process.  

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Call for next artistic director

Submission deadline: September 27, 5pm

www.biennaleofsydney.art

The Biennale of Sydney are calling for Expressions of Interest (EOI) from experienced curators who are interested in being the Artistic Director of the 24th Biennale of Sydney (2024).

The Biennale of Sydney is a leading international contemporary art event. It plays an indispensable role in Australia’s engagement with the world, and a meaningful role in the life of the nation. For almost 50 years, the Biennale has been a unifying force in the Australian arts sector, embedding boldly creative art exhibitions and experiences in the everyday life of Sydney and putting the artistic excellence of Australia front and centre on the world stage.

Since 1973, the Biennale of Sydney has commissioned and presented the works of 1900 artists from all around the world, including 405 Australians in museums and public spaces across Sydney.

As we approach our 50th anniversary in 2023, we are seeking a highly motivated and dynamic Artistic Director—or Artistic Director team—that can lead the vision of the Biennale in this key moment in our history; someone that embodies our core values of being boldly creative, agile, collaborative and respectful in all that we do, with a commitment to place and keeping people connected through contemporary art and ideas.

If that could be you, please complete the Expression of Interest form including a short 500-word statement of intent, outlining your vision for the 2024 edition, along with a current copy of your CV.

Expressions of Interest must be submitted by 5pm AEST on Monday, September 27, 2021.

Find out more here.

The Biennale of Sydney fosters a collaborative and respectful workplace culture, with a team as diverse as the exhibitions we present and the audiences who experience them. We actively encourage First Nations people, people from culturally and linguistically diverse backgrounds, LGBTQIA+ people, people with disability and those who have diverse experiences of our world to join the Biennale of Sydney team. We are committed to making reasonable adjustments to provide a positive, barrier-free recruitment process and supportive workplace. If you have support or access requirements, let us know in your application.

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Being Scene – Call for Curator
Deadline: Friday, September 24, 2021, at 5:00pm EST
Curator Fee: $5,000

Workman Arts is seeking a guest Curator (or team of Curators) to develop and curate a small group show of visual art/multimedia work as part of Being Scene 2022. We are looking for proposals that speak to the current social climate as it relates to mental health and/or addictions and continues to celebrate Workman member artists and artists with lived experience. Workman Arts supports proposals that offer to showcase artists’ most recent endeavours as well as works that incite conversation and promote a range of intersectional narratives. We are also encouraging proposals to outline ideas of how the group show can be exhibited as an in-person exhibition and/or virtually.

About Workman Arts:
Workman Arts is a multidisciplinary arts organization that promotes a greater understanding of mental health & addiction issues through creation & presentation. We support artists with lived experience through peer-to-peer arts education, public presentations & partnerships with the broader arts community. We offer these opportunities to a growing member base which consists of artists with varying levels of experience ranging from emerging to professional artists, in all forms of practices such as Media, Literary, Music, Theatre and Visual Arts. Member artists have an existing art practice and goals to further develop, professionalize and share their practice.

History of Being Scene:
The Being Scene exhibition began over 20 years ago on the grounds of the Centre for Addiction and Mental Health (CAMH). Every year, Being Scene exhibits a juried survey of over 100 artworks by Workman Arts member artists as well as artists with lived experience who have received services from CAMH. Last year, Workman Arts introduced a smaller curated exhibition as part of the overall exhibit. Working closely with a guest curator, artists gave shape to compelling ideas and narratives, covering a wide range of conceptual and material approaches from diverse experiences. Due to the pandemic the exhibition was completely virtual. The exhibition space for Being Scene 2022 has not been chosen, however in the past Being Scene was shown in spaces such as The Gladstone Hotel, Toronto Media Arts Centre (TMAC) and at CAMH. Going forward, Being Scene will continue to thrive in local spaces and online.

Upload proposals and other relevant information to this online form by Friday, September 24, 2021, at 5:00pm EST.

If this is a barrier, please contact Paulina Wiszowata for submission alternatives.

Workman Arts has identified equity and anti-oppression as strategic priorities and strongly encourages qualified applicants from diverse communities to apply and self-identify in their proposals. We welcome & encourage proposals from applicants who are Indigenous, Black, people of color, women, 2SLGBTQ+, people with disabilities, and/or are members of other marginalized groups.

Workman Arts’ office is mobility device accessible, which includes level entrances and ramps, accessible washrooms, wide and unobstructed pathways within the interior, elevators to access multiple levels, automatic doors and accessible parking. There is a gender-neutral washroom available. Though the selected guest curator will be primarily working remotely, we are open to accommodating any accessibility needs.

Questions? Please visit workmanarts.com or contact: paulina_wiszowata [arobas] workmanarts [point] com

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Vie des arts

Date de tombée : 4 octobre 2021

No 265 : Rubriques récurrentes non thématiques

Vous avez vu une exposition, assisté à un événement ou une manifestation artistique, lu un livre sur l’art publié récemment, ou vous voulez nous faire part d’un enjeu concernant les arts qui vous tient à cœur ? Envoyez-nous vos intentions pour la rédaction d’un article pour les rubriques récurrentes non thématiques suivantes :

Perspectives : nouvelles brèves collées à l’actualité des arts visuels au Québec et au Canada. Le style d’écriture est plus informatif qu’analytique, et les textes sont écrits de manière à mettre en perspective un enjeu d’actualité ciblé (portée sociale, politique ou collective d’un sujet sur l’art) ou font part d’une nouveauté du milieu de l’art (prix, nominations, nouveaux programmes, etc.).

Visites : couvertures d’expositions ou d’événements en cours ou terminés au plus tard deux mois avant la date limite de l’appel de propositions actif. L’objectif de ces couvertures est de faire comprendre les thèmes soulevés par l’exposition ou l’événement, en relation avec le corpus des artistes. L’autrice ou l’auteur est invité à développer un point de vue original sur les œuvres et faire preuve d’un engagement discursif avec son sujet en orientant son propos autour d’une idée ciblée et en évitant une approche strictement descriptive. L’utilisation de citations et de concepts théoriques est suggérée pour appuyer la discussion des œuvres, et l’emploi des notes de bas de page doit être limité.

Lectures : comptes rendus d’une publication sur l’art parue au courant de la dernière année. Le style d’écriture prend la forme d’un commentaire résumant l’ouvrage et le situant dans le contexte actuel.

Vie des arts priorise les propositions de sujets qui reflètent l’écriture de son autrice ou de son auteur : en d’autres termes, votre proposition doit être dynamique et nous donner un aperçu de votre style de rédaction !

Toutes les soumissions pour les rubriques récurrentes non thématiques doivent inclure le sujet anticipé selon la rubrique envisagée, ainsi qu’une description de l’angle critique qui sera utilisé pour la rédaction (250 mots), trois extraits de textes antérieurs (publiés ou non) ainsi qu’une courte biographie de l’autrice ou de l’auteur (40 mots), et être envoyées à redaction [arobas] viedesarts [point] com avant le 4 octobre 2021. Nous ferons un suivi avec les propositions pressenties et les textes finaux, suivant l’entente préalablement prise avec la rédaction, devront être rendus au courant du mois de novembre 2021. Veuillez noter que les propositions d’artistes portant sur leur propre travail seront refusées. 

No 266 : Dossier « TEXTE/ŒUVRE »

L’usage d’un langage écrit ou oral dans les arts visuels n’est pas nouveau. Il a été particulièrement porteur pour l’art conceptuel (certains auteurs parlent d’un tournant linguistique de l’art1), et était employé comme matériau en lui-même qui amenait à sa propre déconstruction et reconstruction. Le texte joint à l’œuvre enrichit sa signification, soit il en fait pleinement partie soit qu’il s’y annexe, comme autant de manières de dénoter l’image ou d’y ajouter une connotation. Si une partie de l’art conceptuel a soutenu une sorte de désubjectivisation de l’écriture qui s’attelait plutôt à critiquer le langage de l’art lui-même2, les artistes trouvent aujourd’hui dans le texte un lieu pour faire advenir leur narratif personnel et faire vivre des récits et mythes joignant leur création à leur réalité quotidienne. Comme méthode de création, le langage permet de réinterpréter sa subjectivité comme élément porteur : par l’acte de nommer, de dire et d’énoncer, les artistes sculptent le réel tant le langage a une puissance performative qui est forte. Provenant aussi de tout cet héritage riche de l’art comme chambre d’écho d’expériences intimes et comme langage performatif, les pratiques artistiques faisant usage du texte ou de l’écriture révèlent désormais une intention de se faire entendre.

Bénéficiant d’une longue tradition en art – nous pourrions aussi esquisser l’influence mutuelle de la littérature sur les arts visuels et vice versa –, le langage est employé comme matière (le signe, la voix), comme médium (inclusion du texte dans les œuvres), ou comme mode de création axé sur la communication (correspondance, art postal, dialogue, traduction). La résurgence forte qu’on observe en art contemporain et actuel pour l’usage des mots et du texte s’inscrit dans cette lignée, mais est aussi portée par des artistes-auteurs qui font de la textualité une approche à part entière : apparaissent ainsi des pratiques investiguant le livre comme objet artistique, ou se déployant dans l’exposition en considérant cet espace comme un texte en lui-même, à lire ou à écrire. La textualité s’incarne dans des formes intermédiales, parfois performatives ou citationnelles, supportée notamment par une complexification des modalités de lecture d’une œuvre au regard de la mutation du champ des communications et de l’information. Employé dans des démarches faisant écho aux postures féministes, anti-racistes et décoloniales désormais centrales à la création contemporaine, la textualité en tant que méthode d’énonciation en arts trouble les lieux communs pour faire émerger des significations décentralisant les récits dominants. En même temps, on cherche dans le langage l’énonciation et la réception d’affects ou d’émotions qui seraient traduites en d’autres formes communicantes. Dans les arts, le texte s’incarne en des formes visuelles ou ressenties, qu’il soit porté dans l’oralité, la tactilité ou la gestualité, il peut aussi intervenir pour combler les failles de l’oculocentrisme : il advient parfois en tant que traduction de ce que perçoit le sens de la vue. Le texte peut être lu autant qu’il peut être dit, entendu, touché, sculpté, écrit. Au mieux, les mots fonctionnent comme des systèmes de significations qui contredisent le régime langagier ou le régime visuel d’une œuvre d’art : les artistes joueront ainsi avec le sous-titrage et la description visuelle, faisant émerger une dissonance entre les mots, les choses, leur contexte de lecture et d’énonciation, pour ouvrir les possibles sens d’une œuvre d’art comme objet sémiotique, voire situé dans une expérience singulière. Quelle(s) position(s) les mots en arts permettent-ils de prendre ? Se dégage-t-il une tendance chez les artistes en faisant l’usage ? Quel est l’apport du texte dans des œuvres intermédiales ? Comment envisager des formes artistiques qui pourraient se lire, ou des expositions en tant que textes ? 

Le dossier thématique « TEXTE/ŒUVRE » vise ainsi à regrouper des articles qui investiguent les formes que prennent le texte, les mots et leur traduction dans l’art contemporain et actuel en tant que systèmes sémiologiques. Ces procédés riches cristallisent des récits collectifs qui, eux, ajoutent à l’œuvre d’art une complexité de significations à comprendre à partir de lieux précis et situés, prenant en compte l’expérience individuelle, affective et émotive comme autant de nuances des sens communs. À l’œuvre peut s’ajouter un langage écrit ou oral qui valide, complète ou contredit les signaux visuels ou sensitifs, et dans les contradictions possibles entre les différents régimes de langage d’une œuvre réside sa nature intermédiale et communicante. Les autrices et auteurs pourraient ainsi s’intéresser aux pratiques de collages alliant texte et image (digitale ou non), aux pratiques motivées par une traduction des sens pour l’accessibilité ou à l’écriture tactile comme forme artistique, aux pratiques épistolaires ou d’art postal informées par une écriture affective ou personnelle, aux pratiques se cristallisant en tant que livre, à celles procédant au détournement du langage digital et des codes de communications électroniques – courriels, textos, clavardage, émoticônes ou ceux caractérisés par des possibilités de réinterprétation multiple tels les mèmes –, enfin à la mise en espace des mots et du texte en contexte d’exposition et de participation à l’œuvre. 

Toutes les soumissions pour le dossier doivent comprendre une proposition de texte en lien avec la thématique, incluant le sujet anticipé (350 mots), la liste des artistes et des œuvres qui seront analysés dans le texte, trois extraits de textes antérieurs (publiés ou non) ainsi qu’une courte biographie de l’autrice ou de l’auteur (40 mots), et être envoyées à redaction [arobas] viedesarts [point] com avant le 4 octobre 2021. Nous ferons un suivi avec les propositions pressenties, et les textes finaux, suivant l’entente préalablement prise avec la rédaction, devront être rendus au courant du mois de janvier 2022.

Les propositions pour les portraits d’artistes doivent désormais répondre au thème annoncé du dossier thématique. 

Veuillez noter que les propositions d’artistes portant sur leur propre travail ne seront pas considérées.

Dans l’optique de favoriser une pluralité de voix et de regards sur l’art actuel, Vie des arts souhaite lancer une invitation spécifique, mais non exclusive, aux personnes autochtones et racisées afin qu’elles puissent soumettre une proposition d’article.

Date de tombée : 4 octobre 2021
No 265 : Rubriques récurrentes non thématiques
Vous avez vu une exposition, assisté à un événement ou une manifestation artistique, lu un livre sur l’art publié récemment, ou vous voulez nous faire part d’un enjeu concernant les arts qui vous tient à cœur ? Envoyez-nous vos intentions pour la rédaction d’un article pour les rubriques récurrentes non thématiques suivantes :

Perspectives : nouvelles brèves collées à l’actualité des arts visuels au Québec et au Canada. Le style d’écriture est plus informatif qu’analytique, et les textes sont écrits de manière à mettre en perspective un enjeu d’actualité ciblé (portée sociale, politique ou collective d’un sujet sur l’art) ou font part d’une nouveauté du milieu de l’art (prix, nominations, nouveaux programmes, etc.).

Visites : couvertures d’expositions ou d’événements en cours ou terminés au plus tard deux mois avant la date limite de l’appel de propositions actif. L’objectif de ces couvertures est de faire comprendre les thèmes soulevés par l’exposition ou l’événement, en relation avec le corpus des artistes. L’autrice ou l’auteur est invité à développer un point de vue original sur les œuvres et faire preuve d’un engagement discursif avec son sujet en orientant son propos autour d’une idée ciblée et en évitant une approche strictement descriptive. L’utilisation de citations et de concepts théoriques est suggérée pour appuyer la discussion des œuvres, et l’emploi des notes de bas de page doit être limité.

Lectures : comptes rendus d’une publication sur l’art parue au courant de la dernière année. Le style d’écriture prend la forme d’un commentaire résumant l’ouvrage et le situant dans le contexte actuel.

Vie des arts priorise les propositions de sujets qui reflètent l’écriture de son autrice ou de son auteur : en d’autres termes, votre proposition doit être dynamique et nous donner un aperçu de votre style de rédaction !

Toutes les soumissions pour les rubriques récurrentes non thématiques doivent inclure le sujet anticipé selon la rubrique envisagée, ainsi qu’une description de l’angle critique qui sera utilisé pour la rédaction (250 mots), trois extraits de textes antérieurs (publiés ou non) ainsi qu’une courte biographie de l’autrice ou de l’auteur (40 mots), et être envoyées à redaction [arobas] viedesarts [point] com avant le 4 octobre 2021. Nous ferons un suivi avec les propositions pressenties et les textes finaux, suivant l’entente préalablement prise avec la rédaction, devront être rendus au courant du mois de novembre 2021. Veuillez noter que les propositions d’artistes portant sur leur propre travail seront refusées. 

No 266 : Dossier « TEXTE/ŒUVRE »
L’usage d’un langage écrit ou oral dans les arts visuels n’est pas nouveau. Il a été particulièrement porteur pour l’art conceptuel (certains auteurs parlent d’un tournant linguistique de l’art1), et était employé comme matériau en lui-même qui amenait à sa propre déconstruction et reconstruction. Le texte joint à l’œuvre enrichit sa signification, soit il en fait pleinement partie soit qu’il s’y annexe, comme autant de manières de dénoter l’image ou d’y ajouter une connotation. Si une partie de l’art conceptuel a soutenu une sorte de désubjectivisation de l’écriture qui s’attelait plutôt à critiquer le langage de l’art lui-même2, les artistes trouvent aujourd’hui dans le texte un lieu pour faire advenir leur narratif personnel et faire vivre des récits et mythes joignant leur création à leur réalité quotidienne. Comme méthode de création, le langage permet de réinterpréter sa subjectivité comme élément porteur : par l’acte de nommer, de dire et d’énoncer, les artistes sculptent le réel tant le langage a une puissance performative qui est forte. Provenant aussi de tout cet héritage riche de l’art comme chambre d’écho d’expériences intimes et comme langage performatif, les pratiques artistiques faisant usage du texte ou de l’écriture révèlent désormais une intention de se faire entendre.

Bénéficiant d’une longue tradition en art – nous pourrions aussi esquisser l’influence mutuelle de la littérature sur les arts visuels et vice versa –, le langage est employé comme matière (le signe, la voix), comme médium (inclusion du texte dans les œuvres), ou comme mode de création axé sur la communication (correspondance, art postal, dialogue, traduction). La résurgence forte qu’on observe en art contemporain et actuel pour l’usage des mots et du texte s’inscrit dans cette lignée, mais est aussi portée par des artistes-auteurs qui font de la textualité une approche à part entière : apparaissent ainsi des pratiques investiguant le livre comme objet artistique, ou se déployant dans l’exposition en considérant cet espace comme un texte en lui-même, à lire ou à écrire. La textualité s’incarne dans des formes intermédiales, parfois performatives ou citationnelles, supportée notamment par une complexification des modalités de lecture d’une œuvre au regard de la mutation du champ des communications et de l’information. Employé dans des démarches faisant écho aux postures féministes, anti-racistes et décoloniales désormais centrales à la création contemporaine, la textualité en tant que méthode d’énonciation en arts trouble les lieux communs pour faire émerger des significations décentralisant les récits dominants. En même temps, on cherche dans le langage l’énonciation et la réception d’affects ou d’émotions qui seraient traduites en d’autres formes communicantes. Dans les arts, le texte s’incarne en des formes visuelles ou ressenties, qu’il soit porté dans l’oralité, la tactilité ou la gestualité, il peut aussi intervenir pour combler les failles de l’oculocentrisme : il advient parfois en tant que traduction de ce que perçoit le sens de la vue. Le texte peut être lu autant qu’il peut être dit, entendu, touché, sculpté, écrit. Au mieux, les mots fonctionnent comme des systèmes de significations qui contredisent le régime langagier ou le régime visuel d’une œuvre d’art : les artistes joueront ainsi avec le sous-titrage et la description visuelle, faisant émerger une dissonance entre les mots, les choses, leur contexte de lecture et d’énonciation, pour ouvrir les possibles sens d’une œuvre d’art comme objet sémiotique, voire situé dans une expérience singulière. Quelle(s) position(s) les mots en arts permettent-ils de prendre ? Se dégage-t-il une tendance chez les artistes en faisant l’usage ? Quel est l’apport du texte dans des œuvres intermédiales ? Comment envisager des formes artistiques qui pourraient se lire, ou des expositions en tant que textes ? 

Le dossier thématique « TEXTE/ŒUVRE » vise ainsi à regrouper des articles qui investiguent les formes que prennent le texte, les mots et leur traduction dans l’art contemporain et actuel en tant que systèmes sémiologiques. Ces procédés riches cristallisent des récits collectifs qui, eux, ajoutent à l’œuvre d’art une complexité de significations à comprendre à partir de lieux précis et situés, prenant en compte l’expérience individuelle, affective et émotive comme autant de nuances des sens communs. À l’œuvre peut s’ajouter un langage écrit ou oral qui valide, complète ou contredit les signaux visuels ou sensitifs, et dans les contradictions possibles entre les différents régimes de langage d’une œuvre réside sa nature intermédiale et communicante. Les autrices et auteurs pourraient ainsi s’intéresser aux pratiques de collages alliant texte et image (digitale ou non), aux pratiques motivées par une traduction des sens pour l’accessibilité ou à l’écriture tactile comme forme artistique, aux pratiques épistolaires ou d’art postal informées par une écriture affective ou personnelle, aux pratiques se cristallisant en tant que livre, à celles procédant au détournement du langage digital et des codes de communications électroniques – courriels, textos, clavardage, émoticônes ou ceux caractérisés par des possibilités de réinterprétation multiple tels les mèmes –, enfin à la mise en espace des mots et du texte en contexte d’exposition et de participation à l’œuvre. 

Toutes les soumissions pour le dossier doivent comprendre une proposition de texte en lien avec la thématique, incluant le sujet anticipé (350 mots), la liste des artistes et des œuvres qui seront analysés dans le texte, trois extraits de textes antérieurs (publiés ou non) ainsi qu’une courte biographie de l’autrice ou de l’auteur (40 mots), et être envoyées à redaction [arobas] viedesarts [point] com avant le 4 octobre 2021. Nous ferons un suivi avec les propositions pressenties, et les textes finaux, suivant l’entente préalablement prise avec la rédaction, devront être rendus au courant du mois de janvier 2022.

Les propositions pour les portraits d’artistes doivent désormais répondre au thème annoncé du dossier thématique. 

Veuillez noter que les propositions d’artistes portant sur leur propre travail ne seront pas considérées.

Dans l’optique de favoriser une pluralité de voix et de regards sur l’art actuel, Vie des arts souhaite lancer une invitation spécifique, mais non exclusive, aux personnes autochtones et racisées afin qu’elles puissent soumettre une proposition d’article.

Appel en ligne

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DATE LIMITE / 1ER NOVEMBRE 2021

Le Centre CLARK invite les artistes, les collectifs et les commissaires à soumettre un projet d’exposition pour notre appel de dossiers général. Qu’il s’agisse d’exposer les œuvres d’artistes émergents ou aguerris, locaux ou internationaux, CLARK soutient une pluralité d’approches et de pratiques artistiques novatrices et expérimentales. Notre programmation annuelle présente une multiplicité de voix, de perspectives, d’héritages, de points de vue et d’expériences qui se traduisent en autant de formes d’art actuel. Cette multiplicité se concrétise entre autres par l’inclusion d’une pluralité culturelle, par l’échange intergénérationnel et par l’équité des genres.
 
TOUS LES DÉTAILS ICI :
https://centreclark.com/fr/galerie/

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esse art + opinion

No. 105 – Dossier Nouvel nouvel age

Date de tombée : 10 janvier 2022

Tel un spectre malicieux ou une force surnaturelle indocile, la résurgence ponctuelle des croyances occultes – sorcellerie, divination, astrologie, magie, alchimie – hante depuis toujours l’histoire de l’humanité. Tour à tour ennemi du Christianisme, pierre d’achoppement de la logique kantienne ou carrément menace du patriarcat (la sorcière étant une figure « maléfique » puissante largement revendiquée par les féministes), cet engouement sporadique pour le mystique et ses innombrables déclinaisons semble être le symptôme tangible d’une lassitude sourde face à l’ordre établi et aux systèmes de pensée hégémoniques. Aujourd’hui encore, l’intérêt renouvelé pour le mysticisme et les modalités d’agentivité et de pouvoir parallèles qu’il suggère se fait l’écho de l’inertie politique générale. Des concoctions hormonales « faites maison » aux pratiques animistes antispécistes, les multiples stratégies offertes par ce nouvel nouvel âge, comme nous serions tenté·e·s de le nommer à la suite du mouvement contre-culturel occidental des années 1970, répondent au besoin pressant d’agir hors d’un néolibéralisme qui tue, petit à petit, notre planète et les relationalités qui s’y jouent. Mais bien plus qu’une simple riposte ésotérique, l’existence de forces occultes – ou de forces théoriquement inexplicables – semble désormais entérinée par la science elle-même, à preuve les récentes découvertes de la mécanique quantique et des états presque « magiques » de la matière, ouvrant toute grande la porte au mysticisme quantique ! Si l’occulte séduit et fait peur tout à la fois, c’est qu’il ne peut être assujetti, qu’il n’a de cesse de se dérober au sens commun.

[…] Figure incontournable de ces croisements disciplinaires et icône iconoclaste par excellence pour nombre d’artistes actuel·le·s, la sorcière est d’ailleurs une source incontournable d’inspiration. Guérisseuse, chamane, alchimiste, herboriste, magicienne et sybille, la sorcière appelle à une décolonisation des savoirs et de la spiritualité, à l’effritement du patriarcat et du capitalisme, à une affinité intime avec la nature et le cosmos, au métissage des arts et de l’artisanat, du politique et du magique. Loin d’être la seule à caractériser ce nouvel nouvel âge, la sorcière s’accompagne d’une multiplicité d’entités réelles et imaginaires, de méthodologies queers, de posture antispécistes et de formes de création hybride repoussant toujours davantage les frontières de l’art. À la lumière des perspectives ouvertes par ce nouvel nouvel âge, ce dossier cherche à explorer les croisements entre ces approches multiformes de l’occulte et de la spiritualité 2.0 et les pratiques artistiques actuelles.

Appel de textes + Politique éditoriale